LE ORME Y EL ROCK PROGRESIVO ITALIANO (PARTE I).
HISTORIA O LEYENDA.
Por Emmanuel Rosales.
Análisis y Comentarios de Rock Progresivo y Metal.
El
pasado sábado 30 de mayo de 2015, organizado por la promotora de Rock
Progresivo Sol & Deneb Records, se presentó en el foro Roberto Cantoral el
cantante, bajista y guitarrista italiano
Aldo Tagliapietra, exmiembro original de la banda de Le Orme; todavía
emocionados por ese extraordinario concierto junto con el gran David Jackson,
saxofonista de Van der Graaf Generator
(quien dio gran demostración de su capacidad musical y escénica) y con una
excelente banda abridora mexicana, Tr3s de un par, la serie de artículos
siguientes se dedican a su agrupación originaria.
CONTEXTO DEL ROCK PRGRESIVO
ITALIANO.
Escribir
sobre Rock Progresivo Italiano (RPI, Progressivo o simplemente Pop Italiano) no
implica sólo considerar la existencia de bandas tan variadas como virtuosas,
como son los casos de Le Orme, Banco del Mutuo Soccorso, Premiata Forneira
Marconi (PFM), Locanda della Fate, Quella Veccia Locanda, Corte Dei Miracoli,
Il Rovescio della Medaglia, etcétera, significa,
más bien, tocar uno de los más complejos movimientos artísticos y musicales, no
sólo del Rock, sino incluso de la historia del arte, pues, Italia es el
referente musical más importante por sus características culturales, étnicas,
políticas, sociales y hasta religiosas.
Italia
es un país donde, entre los personajes populares más admirados, se encuentran
los músicos como Guido de Arezzo (monje benedictino que revolución en la edad
media el canto gregoriano) Garbielli (padre de la polifonía) los barrocos Bach y Vivaldi, los belcantistas, como Rossini, Puccini, Donizetti
y Verdi, el virtuoso violinista Niccolo Paganini, o sus grandes cantantes como
Mario del Mónaco o Luciano Pavarotti, y también admirados son los artesanos y
todo lo que rodea el mundo del arte y la música como la familia de los Stradivari
y sus instrumentos de cuerda, o Bartolomeo Cristofori, creador del piano.
Se
trata de una nación donde el espectro de la música abarca desde la fastuosa
Ópera y la música instrumental, hasta la música romántica y popular de fuentes
nativas; la tierra de las escuelas del canto de salmodia e himnodia, del canto
gregoriano y sus escuelas romana, ambrosiana y beneventana, de los tropos y los
dramas litúrgicos, de la monodia profana con los trovadores y juglares; el
lugar donde fue creada la corriente del Ars Antiqua, del Ars Nova y del
Trecento Italiano; es el país donde la música es una característica cultural y
tradicional, así como identidad étnica y nacional.
Quizá
Italia sea el único referente en la historia del arte y de la música donde sus
provincias representan referentes de tradición y género musical, como las
Escuelas Napolitana, Romana, Florentina y Lombarda.
Una
nación que durante los años sesenta y setenta, por disposición oficial del
Gobierno, se exigía que las grabaciones profesionales de estudio, durante la llamada
“industria del disco”, tuvieran una calidad y protección autoral acorde a la
tradición artística (en Italia este aspecto se controla por el SIAE, Società
Italiana degli Autori ed Editori, fundada el 23 de abril de 1882 por el poeta
Giosué Carducci y por el compositor Giuseppe Verdi) ; de ahí que en aquellos
años, ingresar a un estudio de grabación italiano (considerados en su Derecho
como un servicio público) significara una actividad profesional de gran
seriedad por parte de músicos profesionales y académicos italianos.
Pensar
en los músicos italianos implica recordar que se trata de quienes más han
innovado en la historia de la escala musical, la armonía y la notación, son los
creadores de la música teatral, base para el posterior desarrollo de la Ópera a
finales del siglo XVI, y representa la escuela más importante de creación
musical compositiva e incluso de instrumentos y vocalización; como su cultura,
la música italiana es ecléctica, en la antigüedad, edad media y renacimiento
nada impidió que la música italiana se mantuviera
libre de influencias foráneas (quizá la única excepción fue el movimiento
facista de 1920 de corte nacionalista), por el contrario, desde sus formas más
básicas (desde la tradicional canzone napolitana y el cantautor) la música
italiana siempre ha recibido influencias externas de estilos regionales, danzas
e instrumentos y en tiempos modernos, mucho ha crecido su riqueza con el jazz y
el rock.
En
ese complejo contexto musical, a finales de los años sesenta y principios de
los setenta, surgió el movimiento de Rock Progresivo Italiano, que tal vez sea
el que ha gozado de mayor número de músicos virtuosos y exigencias.
El
Rock Progresivo Italiano, al igual que la mayoría de los movimientos de Rock
Progresivo Europeo y mundial de los setentas, se inspiró en el movimiento
inglés encabezado, entre otros, por King Crimson, Emerson, Lake and Palmer, Genesis,
Yes, Pink Floyd, etcétera; sin embargo, dadas las dificultades comunicativas de
la época, el virtuosismo y la capacidad —tanto creativa como ejecutiva— de los músicos italianos, representa sin
duda, un movimiento que debe estudiarse aparte, es sin duda una manifestación
artística muy especial donde, si bien se puede reconocer que los ingleses (incluso
americanos) inspiraron, en principio, a las bandas italianas, es innegable que
la capacidad de los músicos italianos, en más de una ocasión, superó, influyó e
impresionó al movimiento inglés o a cualquier otro en el mundo; es por ello que
ninguna vena del Rock Progresivo sea tan apreciada por aficionados y expertos —sólo
después del Rock Inglés— como ocurre con el Rock Progresivo Italiano.
LOS “ANNI DI PIOMBO” Y SU INFLUENCIA
EN EL ROCK PROGRESIVO ITALIANO.
Dicho
movimiento, no puede ser dimensionado ni comprendido si, además de la tradición
musical italiana, se omite tomar en cuenta el entorno político de la época.
El
Rock Progresivo Italiano surgió en años históricamente convulsos y marcados por
la violencia en la Península Itálica, un triste y sangriento período sociológicamente
conocido como Anni di piombo (Años de
plomo).
La
fecha del comienzo exacto de esta época no está consensuada y puede variar
dependiendo de consideraciones políticas e históricas; pero de forma general
suele datarse su inicio en torno a los disturbios y huelgas promovidas por
estudiantes y sindicatos de trabajadores en 1968, mientras que su fin se
establece a mediados de los 80.
Durante
aquellos años, el clima de tensión y violencia fue en notorio aumento en las
calles italianas donde numerosos grupos, tanto de extrema izquierda como las Brigate Rosse (Brigadas Rojas), como de
extrema derecha, como el Ordine Nuovo
(Orden Nuevo) sembraron la intolerancia y la brutalidad.
Durante
los Anni di piombo se produjeron
numerosos atentados terroristas que dieron lugar a un periodo conocido como la Strategia della tensione (Estrategia de
la tensión), término surgido tras el atentado del 12 de diciembre de 1969 en la
Banca Nazionale dell'Agricoltura de Piazza Fontana en Milán, donde murieron
16 personas y otras 88 resultaron heridas.
La
estrategia fue planificada y ejecutada, como se ha reconocido públicamente, por
la Organizzazione Gladio
(Organización Gladio), una organización paramilitar secreta instruida,
financiada y organizada por la OTAN, la CIA y el servicio de inteligencia británico
(MI6).
Organizados
por grupos de extrema derecha, con la colaboración de los servicios secretos
del Estado, el objetivo principal de la “estrategia de la tensión” era crear
una situación de alarma y terror que justificara al Gobierno la instauración de
un estado policial represor.
Para
muchos, el punto álgido de los Anni di
piombo fue el secuestro y asesinato en 1978 de Aldo Moro, uno de los más
importantes líderes de Democrazia Cristiana
(un partido político italiano que gobernó durante la mayor parte de la
segunda mitad del siglo XX) quien llegó a ser Primer Ministro italiano hasta en
2 ocasiones. El 16 de marzo de 1978, miembros de las Brigate Rosse secuestraron a Moro (para lo cual tuvieron que asesinar
a sus 5 guardaespaldas) con el objetivo de pedir, a intercambio de la
liberación del secuestrado, la liberación de varios activistas encarcelados.
El
Estado italiano no cedió al chantaje terrorista y, como respuesta, Moro fue asesinado
y su cuerpo abandonado en el maletero de un coche en la Via Caetani de Roma.
Si
a este belicismo de carácter político le unimos la proliferación y auge de
grupos del crimen organizado como la Cosa
Nostra siciliana, la 'Ndrangheta
calabresa y la Camorra napolitana es natural comprender la necesidad de los
movimientos sociales y manifestaciones italianos.
La
violencia impuesta por el Estado y por la delincuencia organizada
caracterizaron la sociedad de la época, aspectos que no fueron ignorados por
artistas de la época de modo que fue así como los músicos no pudieron evitar ser
influenciados por este ambiente.
Tanto
así que, en ese clima tenso, los grupos se alinearon abiertamiente a la
izquierda o la derecha políticas, según sus preferencias, lo que provocó una
tendencia a “juzgar a los artistas” no desde un punto de vista de su calidad
creativa, si no a partir de sus criterios ideológicos, pues eran muchos los que
consideraban que el compromiso político era una necesidad.
Una
de las consecuencias de esta polarización fueron las críticas que recibieron
algunas bandas que no participaban políticamente, o cuyo compromiso no era
claro; es por eso que muchos grupos italianos sólo alcanzaron a grabar un disco
o no tuvieron éxito comercial pese a su gran calidad artística.
Por
otra parte, hubo grupos como Area u Osanna, que se declararon abiertamente de
izquierda; otros de tendencias políticas de derecha como Jano y La Compagnia
dell'Anello; y los hubo también que prefirieron mantenerse al margen o, al
menos, evitar en lo posible ser ubicados con alguna vertiente de ideología
política como Premiata Forneria Marconi, Biglietto per l'Inferno o Le Orme,
quienes por su neutralismo fueron criticados por sectores que les recriminaban
falta de compromiso con la sociedad.
Caso
emblemático se protagonizó por la banda Museo Rosenbach y su extraordinario
álbum Zarathustra que los llevó a ser acusados abiertamente de fascistas por su
portada en la que aparecía Benito Mussolini y por las continuas referencias a
Friedrich Nietzsche (de ahí que el álbum se llamara Zarathustra) considerado
por muchos como el inspirador del nazismo. Desde el grupo se defendieron
diciendo que el rostro de Il Duce (la portada) apareció por decisión exclusiva
de su diseñador, Cesare Monti y que las referencias a Nietzsche provenían de
una lectura de su obra, alejada de cualquier política forzada. Estas
explicaciones no fueron entendidas, y el álbum, hoy considerado como una de las
obras maestras del Rock Progresivo Italiano, fue un fracaso comercial y por ello la banda
fue obligada prácticamente a abandonar la escena musical. En el progresivo italiano
existen muchas historias similares de grandes bandas y excelentes trabajos sin
éxitos comerciales.
Esa
combinación de arte, tradición musical y tensión política dieron origen al
movimiento de Rock Progresivo Italiano, razón por la cual permanecer ajenos a
esos datos impediría apreciarlo en toda su magnificencia cultural, artística y
social.
LOS ORÍGENES. AD GLORIAM (1969) Y
L’AURORA DE LE ORME (1970).
En
el contexto descrito, durante el año de 1966, surgió en Marghera, Venecia, la
banda motivo de este artículo, Le Orme (Las Huellas o La Orma); sus fundadores fueron
Aldo Tagliapietra, hijo de un maestro de vitrales que adquirió su licencia en
Teoría Musical en el Conservatorio Pollini de Padua (voz, guitarra), Nino
Smeraldi (guitarra), Claudio Galietti (guitarra, bajo) y Marino Rebeschini
(batería).
Esta
primera agrupación, pese a su sólida formación musical y académica, no ejecutó
Rock Progresivo, sino Rock Psicodélico y Beat con temáticas del llamado “Flower
Power” (tendencias e ideologías pacifistas basadas en el amor y la paz),
estilo que arrasaba en la época.
Esta
primera agrupación grabó una canción que rápidamente adquirió popularidad en la
televisión italiana (RAI): "Fiori e colori" de 1967, la cual, después de grabada, marcó la
partida del baterista Marino Rebeschini y su reemplazo por el gran
percusionista Michi dei Rossi, ampliamente reconocido en la escena veneziana
por su trabajo con el grupo Hopopi liderado por el gran tecladista Tony
Pagliuca.
En
1968, ya con el nuevo baterista, Le Orme publicó un segundo sencillo:
"Senti l'estate che torna", al tiempo que el organista, pianista,
tecladista y compositor Toni Pagliuca, al igual que Dei Rossi, salio de Hopopi
para unirse al grupo.
Tony
Pagliuca, durante su infancia, aprendió en forma autodidacta a tocar el
acordeón y el órgano, formando a principios de los sesenta una banda llamada
“Ciao Amici” (Adiós Amigos) e ingresando posteriormente a estudiar música y
composición.
Con
estas primeras formaciones y canciones, Le Orme grabó, en 1969, su primer álbum
Ad Gloriam, un trabajo psicodélico que, como álbum, tuvo poco éxito comercial y
a principios de 1970 el segundo álbum y modesto “L’Aurora de le Orme”.
Estos
primeros trabajos constituyen una demostración de lo que puede ser el llamado “Progresivo
Temprano” o “Proto Prog” con una portada psicodélica, llena de colorido, con
los rostros de los integrantes de la banda asemejándose una hibridación entre
The Beatles y The Union Gap. La música del entonces quinteto es una combinación
virtuosa de Pop, Psicodélico, Jazz- Blues, algunas variaciones clásicas y voces
bien ejecutadas,
'Ad
Gloriam' es una melodía interesante que incorpora cantos tipo gregorianos, los
cuales dan un marcado aire litúrgico o clerical al tema, mucha psicodelia en
los arpegios y acordes de la guitarra eléctrica de Smeraldi y las voces, tanto
de Tagliapietra como de Galieti son hermosas, emulando a Ian Anderson de Jethro
Tull; sin ser de los mejores trabajos de Le Orme, nos muestra la forma
inteligente y creativa de manejar otros estilos musicales, a que con el
transcurso del tiempo formaría el sonido pilar del Progresivo Italiano.
COLLAGE (1971).
Debido
al escaso éxito de Ad Gloriam y L’Aurora, a finales de 1970 Nino Smeraldi y
Claudio Galietti deciden salir de la banda, permaneciendo Aldo Tagiliapietra
(bajo, guitarra y voz), Toni Pagliuca (piano, órgano, celeste, moog, mellotrón)
y Michi dei Rossi (batería) y confiando
en su sólida formación musical, así como en su gran creatividad y en una voz
hermosa, deciden inaugurar un sonido de Rock basado en el estilo barroco
italiano, que significó el primer trabajo de Rock Progresivo de la banda.
Así,
en la primavera de 1971, Le Orme publica Collage, considerado uno de los discos
más importantes de la historia del Rock Progresivo Italiano, con producción de Gian
Piero Reverberi.
Muchos
consideran a Le Orme como “el Emerson, Lake and Palmer italiano”, sin embargo
cabe poner en duda la exactitud de esta afirmación, cuando el poderoso power
trio inglés se formó en octubre de 1970 y no se puede asegurar que Le Orme
hubiera conocido el sonido de los británicos dadas las comunicaciones de la
época y cuando en todo caso fueron fenómenos paralelos.
El
trabajo comienza con la instrumental "Collage", una composición
basada en órgano que combina todas las formas del barroco italiano recordando a
The Nice de Keith Emerson; en algunas críticas y reseñas musicológicas se
asevera que se trata de un himno de "prog barroco" inspirado en la “Sonata”
de Domenico Scarlatti en mi mayor, que comienza con un ataque poderoso de órgano
hammond que pronto es respaldado por un animado ritmo marchando mientras que la
sección central es más suave y tiene un fuerte sonido clásico.
El
álbum continúa con una canción triste: "Era inverno" que trata de una
conversación turbulenta entre un jóven y una prostituta:
“Cada noche usted consigue lo que
desea,
Siempre bella y sonriente, una
actriz que no cambia de escena
La tristeza de la luna,
En manos de la gente y les da un gozo
falso...
Me gustaría decirle que no me
importa lo que piense la gente
aun recuerdo esa noche, era
invierno, temblaba y brillaba la nieve y Usted dijo:
es la primera vez... ".
La
tercera canción, "Cemento armato" que es introducida por el piano y
describe la violencia y situación tensa de la época en las ciudades italianas
así como la necesidad de huir del smog y contaminación de las áreas
metropolitanas modernas.
Comienza
como un desesperado estallido de dolor, de sólo voz y piano.
"Hormigón armado, la gran ciudad…
Sentí que la vida se me va,
Próximo inicio… no puedes respirar
Siempre es oscuro,
Estamos sufiriendo,
Hay más sirenas en el aire que
canciones del ruiseñor
Tenemos que huir y nunca
volver...".
La
sección largo instrumental es compleja y con frenesí, casi se puede sentir la
atmósfera opresiva de una ciudad tensa, ocupada y brumosa.
Eventualmente la tensión se
descolora hacia fuera...
Dulce despertar,
El sol está conmigo,
En el aire se puede escuchar el sonido
de una guitarra a lo lejos,
Todo derretido,
Aún recuerdo a mis amigos de ayer
Reforzado el cemento, la gran
ciudad,
Sentí que la vida se me va...".
La
cuarta canción "Sguardo verso il
cielo" ("mirada hacia el cielo") se considera un poema de la
época que describe los anni di piombo:
La alegría de cantar, el deseo de
jugar,
la manera de lograr lo que es
imposible.
Aquí es otro día, como ayer,
Espere hasta la mañana para
reiniciar.
La fuerza de la sonrisa,
la fuerza para luchar,
la culpa de estar vivos y no poder
cambiar…
como una rama seca… abandonada
que trata en vano de florecer.
La máscara de un clown (payaso) encierra
un gran desierto,
un fuego que se extingue, una mirada
hacia el cielo,
una mirada hacia el cielo, donde el
sol es la razón,
por donde la nada es el mundo, donde
su luz brilló
"Evasione
totale" es una pieza de rock experimental al igual que "Immagini"
que además tiene elementos psicodélicos
y con "Morte di un fiore" ("muerte de una flor")
concluye el álbum.
Collage
fue un álbum exitoso que le permitió a Le Orme ingresar al mercado inglés y
estuvo de gira con varias bandas, entre ellas, con Van der Graaf Generator.
UOMO DI PEZZA (1972).
Después
del exitoso "Collage", Le Orme desarrolló algunas ideas ya presentes
en su trabajo anterior y lanzó otra obra maestra, "Uomo di pezza"
(hombre de trapos).
Este
álbum incluye la misma línea del power trio barroco (Aldo Tagliapietra, Antonio
Pagliuca y Michi Dei Rossi) y el mismo productor (Gian Piero Reverberi) del
anterior trabajo y es reputado, también, como uno de los álbumes más
influyentes de la escena del Rock Progresivo Italiano.
La
portada tiene un maravilloso trabajo de arte que es una bella pintura de Walter
Mac Mazzieri titulado "Garbo di neve" (gracia de nieve) que se
reconoce como una da las carátulas más significativas del Rock Progresivo
Italiano.
En
el álbum existe una simbiosis perfecta entre la música y las letras, se trata de un
álbum conceptual sobre un viaje al universo femenino.
Cada
canción cuenta la historia de una mujer diferente.
Historias
de violencia, pesadillas, miedos y locura en lenguaje poético y atrevido,
mientras la música subraya el contenido de las letras.
El
álbum inicia con "Una nuova de dolcezza" (una nueva dulzura) que comienza
con un sonido de órgano de iglesia que trata de evocar los sueños de una joven en
una relación romántica y un matrimonio feliz, pero entre todo ese sueño
idealista surge la realidad pues la primera experiencia en el amor y el sexo
fueron traumáticas por esperar desde la inocencia rosa:
Levanto su mirada y la sostengo
firmemente en mis manos,
Hay un antiguo miedo en tus ojos,
Ahora sueños de ceniza arden dentro
de ti,
Cuando tus miedos se desvanecen, tú
creerás en mí...
Una nueva relación con el hombre
adecuado puede llevar a una dulzura nueva.
La tormenta está dentro de su
corazón,
Y encontrar un refugio en mí.
Su voz se convierte en susurro,
Y tú, estás sacudiendo mi lado...
Levanto su mirada, mantente apretada
en mis manos
y habrá una nueva dulzura en tus
ojos,
algo nuevo para ti…
"Gioco
di bimba" (Juego de niña) es una bella balada acústica de contenido
sorpresivamente dramático:
Ella se levanta en las noches,
Como empujada por un hechizo,
Camina en silencio con los ojos aún
cerrados
Como si siguiera una canción mágica
Y en la rotonda, vuelve a sus sueños…
A
pesar del ambiente de ensueño, se trata de una descripción de una violación, la
segunda parte de la canción lo confirma:
Un hombre rasga los sueños de la joven…
Entonces es demasiado tarde para él
para arrepentirse
Una sombra sigilosa consigue apagar
las paredes
En el juego de la niña que se
pierde...
En la mañana, un grito resuena en
medio de la calle
Un hombre de trapo está invocando a su
sastre con una voz perdida que dice:
No quería despertarla así!
No quería despertarla así!
"La
porta chiusa" (la puerta cerrada) es sobre una mujer que vive encerrada en
su casa por temor a un inminente encuentro con su destino:
Como cada noche está sola en la
oscuridad.
Mantiene su inocencia...
La mujer ha renunciado a luchar por
amor,
Pero pronto ella oye a alguien
llamando a su puerta,
¿Qué pasa? Le gustaría abrir y ella
no sabe por qué.
La
música genera sonidos de tensión y la canción concluye:
Es difícil saber quién tocó la
puerta,
Saber si era sólo un sinvergüenza un
o amor pasando…
Pero ¡No abras la puerta!
¿Por qué?
Podría ser él.
"Breve
immagine" (corta imagen) es una pista corta y soñadora que describe una
mujer ideal a través de los ojos de un niño:
Ella aparece como un espejismo, un
truco de luz reflejada en el agua...
Allí, donde el cielo termina
fundiéndose en el mar
Hay una joven que está sonriéndome a
mí...
Es una imagen que dura sólo un
tiempo…
Es una imagen que al atardecer se
lleva... ".
"Figura
di cartone" (figuras de cartón) intenta representar en música y letra la
locura. Se trata de una mujer cerrada en su habitación y totalmente alejada del
mundo real. Ella ha perdido su juventud como una flor cortada de su rama en primavera...
"Vive en su propio extraño
mundo hecho de cartón
Con figuras y muñecas de trapo,
Vive encerrada entre esas cuatro
paredes,
No puede recordar qué le tomaron,
No conoces a nadie pero ¿quien juega
contigo?
No tienes las ansiedades del futuro…
El tiempo es inútil para ti.
Mañana harás otra vez lo que hiciste
ayer
Y en tus sueños hablas con los
Ángeles...".
A
pesar de la temática, la música no es agresiva y tiene una sensación de
misericordia y de dulzura melancólica.
“Mantiene apretado en su pecho la
almohada,
Y en las sombras de la pared blanca,
dibuje el perfil de una mujer con su
bebé
Así que caes dormida,
feliz...".
“Aspettando
l ' Alba" (esperando la salida del sol) trata sobre una noche de verano
pasado en una playa esperando el amanecer:
“El sonido de una guitarra,
canciones de nubes en la noche,
chicos y chicas en la arena
alrededor de una fogata.”
Sin
embargo, la música no expresa alegría
Hay una chica con una cara vacía
Aturdida entre tantas personas
sonrientes
Muchos ojos se han convertido en
solo una mirada...
¿Qué
sucede a continuación? La música y la letra no dicen mucho y dejan a la
imaginación el final y sólo se menciona que lo que hicieron fue algo que
incluso hizo enojar al viento:
“Un fuerte viento en la madrugada
llegó enojado con el sol
e hizo rugir las olas del mar... ".
La
última canción es "Alienazione" (alienación) es una pieza
instrumental que trata sobre la locura y el extrañamiento basada en sonidos
oscuros y patrones rítmicos salvajes. Muchos han interpretado que esta pieza es
un tributo musical a Emerson, Lake and Palmer.
Uomo
di Pezza superó el éxito comercial de Collage y dio fama internacional a Le
Orme.
FELONA E SORONA (1973)
"Felona
e Sorona" fue lanzado en 1973 por la alineación clásica de Le Orme: Aldo
Tagliapietra (voz, bajo, guitarra acústica), Toni Pagliuca (teclados, órgano) y
Michi Dei Rossi (batería, percusión) con la también producción de Gian Piero
Reverberi y representa unánimemente el trabajo más ambicioso e importante en la
carrera de Le Orme y también es considerado un álbum fundamental del Progresivo
Italiano.
Se
trata de su segundo álbum conceptual y está estructurado como una suite larga
contando la historia de dos planetas con letras muy poéticas y profundas.
Tanto
fue el impacto de Felona e Sorona que Peter Hammil de Van der Graaf Generator,
solciitó hacer una traducción, también poética, al inglés.
El
inicio es "Sospesi nell'incredibile" (Sopesados en lo increíble) Una
pieza potente que describe un viaje intergaláctico hasta imaginar otro sistema
solar donde están girando dos planetas gemelos...
Donde el cielo se esconde detrás de
una joyería de mil estrellas,
Detrás del polvo de oro de otro
universo
Dos planetas en armonía están
girando juntos
En su reino donde nada cambia, pero
tiempo...
Los planetas, aunque son gemelos,
son muy diferentes,
Uno existe bajo reglas de felicidad
perenne,
El otro, es un lugar sombrío donde
no existe nada más que tristeza y desesperanza.
Su destino es como los bulbos de un
reloj de arena...
Detrás de los bosques de coral,
detrás de suspiros de los amantes
verdaderos
Dos rosas no mueren juntas...
La luz propaga un aliento de vida y lágrimas
Que se funden en el sonido de
campanas...
Campanas tubulares anuncian
que una nave ha aterrizado en
"Felona",
planeta de sueños y felicidad.
Una luz clara se levanta lentamente
y se pueden ver muchas burbujas
blancas grandes.
Las personas que viven en las
burbujas
Viajan todos los días de lado a lado
No hay secretos en estas esferas
transparentes,
La alegría es contagiosa,
Las cigarras, las mujeres y la
serenidad
La regla es hablar de amor todo el
dia.
El cristal se mueve por el viento
Corre por los valles,
Vuela sobre las montañas y
Llega hasta el mar dejando
Dejando pistas como cometas...
Al atardecer el viento toma un
descanso
las esferas paran y forman un pueblo
Las personas se reúnen otra vez y
corren hacia ellos,
Mientras para ellos, el día está
muriendo...".
"La
solitudine di chi protegge il mondo" (la soledad de quien protege el
mundo) es un corto interludio etéreo con voces altas y delicados patrones de
piano.
Feliz la gente olvida con frecuencia
Orar y a agradecer a Dios por lo que
tienen.
Lo bueno te hace olvidar
Que el origen es el creador
¡ Cuidado!
Incluso el creador, quien protege el
mundo,
Puede sentir el peso de la soledad
si nadie se dirige a él.
La soledad es una sombra oscura
que sólo afecta a quienes se sienten
inútiles...
"L'equilibrio"
(el equilibrio) es tenso y lleno de energía oscura:
“Existe un gran vacío entre los dos
planetas.
Felona ignora la existencia de
Sorona y viceversa.
El enorme abismo separa los dos
mundos y
todos se ocupan de sus propios
asuntos.
Los destinos de los dos planetas son
diferentes,
así, uno no sabe de la noche, mientras
el otro no sabe que existe el día...
Entonces la tensión se derrite.
El creador mira a quien busca que sus
actos le den un sentido a su vida...
El balance tiene su enfoque en el tiempo
El balance se establecerá tarde o
temprano y Sorona se iluminará desde el cielo...".
"Sorona"
describe el sombrío planeta de eterna tristeza.
Aquí puedes encontrar las viejas ciudades,
Sin jardines, perdidos en el olvido,
Envuelto en una espesa niebla entre
los hilos de un gusano de seda.
La vida parece estar atrapada en la
oscuridad
Incluso las raras plantas llevan la
carga de angustia...
De antaño, es un planeta perdido en
el tiempo
En esta tierra gris que no hay
cabida para nada
que no sean los negros
pantanos...".
"Attesa
inerte" (espera inerte) es otra canción que describe la vida en el planeta
oscuro de tristeza.
Las caras que han transformado un
dolor eterno en máscaras
Reunirán voces que un silencio
antiguo
ha hecho silencioso
en un peculiar concierto
para saludar a la oscuridad
como en un ritual interminable.
El Dolor es la regla
Y aun así, en todo este mundo
hay fe y esperanza en un milagro.
La gente desamparada levantan sus
manos hacia el cielo
esperando tiempos mejores,
esperanza que los mantenga vivos
De repente a parece una luz que se
acerca
Está aquí!".
"Ritratto
di onu mattino" (Retrato de una mañana) comienza con un patrón de teclados
hipnóticos. Luego subida de voz y un espectáculo de sonido cálido órgano hasta...
"No se puede encontrar la
felicidad en el ego,
Sólo en el amor que pueda dar a los
demás
A veces la esperanza y la fe hace que
los sueños se convierta en realidad...
"All'infuori
del tempo"(excepto el tiempo) comienza con un patrón de guitarra festiva.
Ahora en el Reino de las tinieblas, la luz
brilla.
En cada cuerpo hay un resplandor que
ilumina,
Existe amor sobre la tierra
Los rayos del sol secan la niebla
mientras que circulan las hojas en
el viento.
El futuro de Sorona ya no es tan
oscuro!
Durante un tiempo los dos mundos son
felices y empezarán una nueva vida.
Mientras Sorona celebra la nueva
luz,
Felona comienza un lento declive
y la oscuridad empieza a separarse
de él.
Pronto el equilibrio llegará a su
fin
y lo que es alegría para Sorona será
muerte Felona.
El final es un círculo,
El círculo es la vida,
Tienes que destruir para construir,
Todos estamos esperando nuestro día
Nada cambia, solo el
tiempo...".
El
final de la instrumental "Ritorno al nulla" es como un paseo en el espacio
que conduce a una explosión:
“Aquí termina el viaje intergaláctico.
Abre los ojos y despierta ahora.
Tratar de enfrentar el día con una
nueva conciencia...
De
principio a fin este álbum es realmente impresionante y claramente se basa en
la teoría de los opuestos, dos planetas que son el contrario, el uno del otro.
La
representación es fascinante, casi etéreo; algunos opinan que el álbum es sobre
la relación hombre y mujer, otros piensan que trata de la visión objetiva de la
realidad (teoría metafísica) y la visión subjetiva de la realidad (teoría
existencial o psicológica).
La
reconstrucción objetiva tiene referencia en los antiguos filósofos griegos
Parménides y Heráclito. Parménides nació en Italia meridional (en 515 A.C.) y
fue fundador de una dinastía de médicos-sacerdotes, que rendía culto a Apolo y
ponía énfasis en el placer y las creencias; Heráclito nació en Ephesos (ahora
Turquía) y enseñó la crudeza de la realidad, la que dijo se encuentra en un
aparente estado inmóvil y de equilibrio.
Existe
también una clara similitud con el Ying y el Yang del lejano Oriente.
CONTRAPPUNTI (1974).
Después
del exitoso Felona e Sorona en sus versiones en italiano y en inglés (la
primera más reconocida que la segunda por el acento de Tagliapietra que deja
ver que no está cómodo cantando en idioma diverso), Le Orme grabó el complejo
Contrappunti.
Se
trata de un álbum donde se manejan los contrastes, los cambios de ritmo y el
virtuosismo de los músicos, sin embargo, pese a su calidad, ya no tuvo el éxito
de sus tres antecesores.
Este
es un disco complejo y "comprometido" y probablemente difícil de apreciar a la primera escucha.
Se
empieza a disfrutar después de analizar "La fabbricante m.",
"India" y "Maggio".
La
primera pista “Contrappunti” es de instrumentación compleja, construida sobre un
diálogo entre piano y teclados, acompañados por una asombrosa batería y un bajo
elegante, todos los instrumentos, ejecutados con Inspiración clásica que se
funde con el rock progresivo.
"Frutto
acerbo" (fruto inmaduro) es una pieza melancólica acústica con letra
inspirada en el sufrimiento de un niño por la decepción de su primer amor.
"Alicante"
es una pieza corta instrumental con melodía pegadiza, liderada por teclados.
"La
India", introducida por la peculiar voz de Aldo Tagliapietra, es un tema
oscuro y sugerente sobre los encantos de la cultura del subcontinente asiático.
¿Qué
sabiduría sale de la resonancia de la sitara?
Recuerdos
de un viaje en la India,
los
periódicos anunciando que la India poseía la bomba atómica
mientras
que muchos de sus hijos morían.
La
letra y música fueron inspirados por los contrastes de este país, destacando
que el interés por la cultura hindú siempre ha atraído a Aldo Tagliapietra así "La
fabbricante m." (la máquina de los Ángeles) es una de las canciones
favoritas del álbum y sus letras son sobre el aborto, se trata de una reflexión
poética, sin decir si el aborto es correcto o no. Sólo a manera de hacer pensar
a la gente.
De
inspiración clásica es "Notturno" un tema instrumental de contraste
entre piano y teclados con sonidos de tensión sombríos.
"Maggio"
(mayo) es uno de los temas favoritos en banda y se inspira en los anni di
piombo, tiempo de matanzas y el terrorismo. Ese fue también el momento del
compromiso político. Mayo es el mes de la jornada de trabajo y el mes dedicado
a la Virgen María. Letras de aquí intentan dibujar imágenes de estos
contrastes, como la de un sacerdote que escucha detrás de la puerta de su
iglesia, las voces de la fiesta laboral subiendo desde la Plaza. Primo de l ' uomo è il ed il più grande
fra i tesori della terra (el hombre es el primero y el más importante entre
los tesoros de la tierra).
Esta
frase fue pronunciada por el Papa y por un representante del partido comunista
chino más o menos en el mismo período y se parecen a las letras sólo para
sugerir que podría haber sido algunos puntos comunes entre el partido comunista
y la iglesia católica.
La
música de esta pista compleja y la fuerza de letras se acompaña del sonido de
campanas, con un gran teclado y una potente sección rítmica.
Continuará…
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